Nove film, un documentario, cortometraggi e scene inedite nelle sale italiane da maggio 2025 a gennaio 2026: si inizia nel mese del Festival di Cannes con Cuore selvaggio, dal 12 al 14 maggio, per celebrare i 35 anni della Palma d’Oro vinta dal film nel 1990.

Dal 26 al 27 maggio sarà in sala l’esordio al lungometraggio del 1977, Eraserhead, seguito, dal 16 al 17 giugno, da uno dei suoi film più amati, The Elephant Man.

Il calendario riprenderà dopo l’estate con Velluto blu (dal 15 al 17 settembre), Fuoco cammina con me (ottobre), Strade perdute (ottobre), Una storia vera (novembre), Mulholland Drive (novembre).

Chiude il ciclo, a gennaio 2026, l’ultimo lungometraggio realizzato da David Lynch, Inland Empire, del quale celebreremo il 20° anniversario.

A completare questo amplissimo affresco del cinema di David Lynch ci saranno anche l’intervista realizzata nel 2018 da Pierre-Henri Gibert per la serie L’image  originelle (First image), i cortometraggi e i lavori di animazione realizzati negli anni da Lynch, i Missing Pieces di Twin Peaks.

“In pochi si sono chiesti perché, vedendo un film di David Lynch, ci si sente a casa”, ha scritto Roy Menarini, appassionato studioso del cinema di Lynch. “Anche di fronte ai mondi più oscuri, alle minacce più irrazionali, alla violenza più raccapricciante, l’universo ribattezzato come Lynchtown è diventato per noi famigliare. Amiamo abitarci, tornarci, metterci alla prova ogni volta. E non è un caso che la notizia improvvisa della morte del regista americano abbia suscitato una delle più sincere e unanimi ondate di affetto che si ricordino per un artista: evidentemente quel piacere di fronte ai suoi racconti distorti e geniali è sempre stato dettato dall’integrità artistica e dalla trasparenza creativa. Lynch, in pratica, ci ha sempre detto la verità, si è confessato con un candore unico, si è spogliato delle sue visioni e le ha condivise senza filtri, da uomo generosissimo quale era e testardamente dedito al suo cinema e alle sue immagini. Rivedere tutti insieme i suoi film significa ora riguardare in prospettiva tutta la nostra Lynchtown personale, perdendoci volontariamente in quel magnifico e impareggiabile labirinto visionario dove i confini tra un’opera e l’altra tendono a sfumare”.

lI film si apre con una sequenza di villette colorate, prati verdi e aiuole in fiore. In apparenza una ridente cittadina americana, dall’aspetto gentile e tranquillo, incarnato dal pompiere sorridente che ci saluta sia all’inizio che alla fine del film. Una rappresentazione idilliaca che in realtà nasconde dinamiche tossiche e persone disturbate. Lynch usa i classici stilemi del giallo per esplorare temi più universali come la natura ambigua del desiderio umano e il rapporto di potere tra vittima e carnefice, con particolare riferimento alla violenza sulle donne. Il personaggio di Frank, tra i più crudeli del cinema di Lynch, è l’incarnazione del male più folle e imprevedibile, una figura che sovverte ogni ordine e fa marcire ogni cosa che intercetta.

Con lui Lynch sembra volerci suggerire che il male non è qualcosa di esterno da combattere, ma è intrinseco della condizione umana. Ci ricorda che luce e oscurità coesistono, si mescolano e si confondono conducendoci in una profonda riflessione sulla dicotomia dell’essere. Partendo dal personaggio di Jeffrey che si ritrova tra la tenerezza del rapporto con Sandy e la pericolosa attrazione che prova per Dorothy. Fino alla scena finale in cui un pettirosso porta un insetto nel becco, immagine emblematica simbolo di speranza ma anche promemoria della brutalità che è parte integrante della natura.

Un noir atipico che non offre risposte facili o morali preconfezionate. Al contrario, invita lo spettatore a convivere con il disagio, accettare l’imperfezione e trovare la bellezza anche nell’ignoto. La fascinazione per il mistero, la sessualità perversa e gli elementi onirici sono temi che si ripetono nel cinema di Lynch. E che contribuiscono a evocare un senso di spaesamento nello spettatore, che raggiungerà il culmine nei suoi lavori successivi come Strade Perdute (1997) e Mulholland Drive (2001).

Non è tanto la trama o la caratterizzazione dei personaggi, quanto il sottile gioco di simbolismi, primi piani densi sui volti e melodie inquietanti a rendere quest’opera un unicum nella storia del cinema. Un’atmosfera disturbante, a tratti grottesca, che conferisce al film una tensione costante destinata a rimanerci addosso ben oltre i titoli di coda. Velluto Blu sembra seguire una logica emotiva piuttosto che narrativa dove, la fotografia di Frederick Elmes, giocata sul blu e sul rosso tra il nitido e lo sporco. E le composizioni di Angelo Badalamenti (prima collaborazione tra i due maestri che nel tempo ha ridefinito il concetto di colonna sonora) sembrano essere in simbiosi, creando una dimensione inquietante, a volte confortevole e al contempo erotica.

Quello di Lynch è prima di tutto un cinema sensoriale in cui ogni inquadratura sembra sospesa in un tempo distorto dove sono i suoni, le espressioni e i simboli a raccontarci il non detto, lasciando allo spettatore spazio per immergersi in realtà alternative. Ma anche un cinema di contrasti dove il confine tra piacere e dolore, desiderio e violenza, realtà e sogno, è quasi impercettibile. Ciò che vediamo non è mai quello che sembra: così Lynch sfida noi e la società americana dell’epoca, ad andare oltre, a non fermarsi alla superficie e a non accontentarsi di ciò che abbiamo davanti. E’ in questa incertezza e oscillazione costante che sta il fascino di Velluto Blu, una fiaba ipnotica e imprevedibile capace di turbare, disorientare e sedurre al tempo stesso.   (di Valeria Furlan - Moviemag)